Le titre de cet album renvoie au mot yiddish Mensch, littéralement « un être humain ». Dans l’usage courant, un Mensch est quelqu’un qui agit avec intégrité, conscience et responsabilité. Pour Frederic Rzewski, le terme portait exactement ce sens. Un Mensch n’est pas une personne parfaite, mais quelqu’un qui demeure pleinement humain (capable de doute, de contradiction et de pensée critique) et qui refuse de devenir passif au sein des grands systèmes sociaux. Cette idée traverse son œuvre, discrètement mais avec constance. Les pièces réunies ici couvrent plus de soixante ans, du début des années 1950 à la dernière décennie de sa vie, dessinant une sorte de chronologie de sa carrière. Le langage musical change, parfois radicalement, mais les préoccupations sous-jacentes restent d’une constance frappante. La musique de Rzewski dialogue avec la littérature, la politique et l’histoire, souvent à travers des situations concrètes (la prison, l’injustice, la crise personnelle) mais jamais de manière abstraite ou distanciée. La question est toujours de savoir comment les individus se situent face à ces forces et s’ils peuvent y demeurer humains. En ce sens, la dimension éthique du Mensch yiddish n’est pas qu’un titre : c’est quelque chose qui s’entend tout au long du programme. Pris dans son ensemble, cet enregistrement retrace le parcours d’un compositeur qui n’a jamais renoncé à l’idée que la musique peut porter un sens au-delà d’elle-même. À travers des décennies de travail, sa voix demeure claire dans son insistance : l’art peut encore demander ce que signifie vivre, et agir, en être humain.

Livret: EN

Musique de la ville des vice-rois espagnols
Cet enregistrement est consacré à un centre de la musique italienne souvent négligé : le Milan des Habsbourg espagnols. Après la mort de Francesco II en 1532, les Sforza durent céder le duché de Milan aux Français, puis finalement au Saint-Empire romain germanique. Charles Quint installa son fils Philippe II à la tête des Habsbourg d’Espagne, et le duché passa ainsi sous le gouvernement d’un vice-roi espagnol. Si la ville perdit l’importance politique dont elle jouissait sous les Visconti et les Sforza, un relatif apaisement entre deux terribles épidémies de peste en 1576 et 1630 favorisa l’épanouissement de la vie culturelle sous le patronage de l’archevêque Federico Borromeo.
Nous proposons un paysage sonore varié du Milan habsbourgeois, à la fois sacré et profane. Nous explorons le « canzon-motteto » propre à Milan, qui met en dialogue un ensemble vocal et des instruments, des motets à double chœur, des canzone, ainsi que des madrigaux peu connus mais d’une grande expressivité de Francesco Rognoni Taeggio, davantage célèbre comme virtuose du violon et maître de l’art de la diminution improvisée. Musiques de Giovan Paolo et Andrea Cima, Agostino Soderini, Francesco et Giovanni Domenico Rognoni Taeggio, et Giuseppe Gallo.

Livret: EN, DE, FR

Figure majeure de la musique française du début du XXe siècle, Satie inspire aujourd’hui encore de nombreux artistes et continue de fasciner par son anticonformisme.
‘Satie montre une route blanche où chacun marque librement ses empreintes’. ‘Il aime à vivre où la vie grouille ; il a l’instinct des bonnes auberges ; il profite d’une température.’ Cocteau avec ces deux phrases évoque précisément l’atmosphère de cet album. Les Airs à faire fuir, les Danses de travers, les Préludes flasques, Profondeur, Effronterie ou Désespoir agréable e.a. sont bien de la veine de la ‘route blanche’. Gambades, Allons-y Chochotte, Je te veux, la Diva de l’empire e.a., avec en Guest star Claron McFadden (soprano), nous font chaleureusement profiter de la vie grouillante des cabarets de Montmartre. Pour parfaire ce disque de façon inattendue, le livret nous révèle un texte inédit de l’exceptionnelle autrice Caroline Lamarche dédié à Monsieur Satie.

Booklet: FR, EN

Splendeur, mouvement et changement sont au cœur des compositions de cet enregistrement : Flamboyance – The Sound of Change explore le répertoire des XIVe et XVe siècles, une époque où la musique européenne, à l’instar de l’architecture gothique flamboyante, se caractérisait par sa richesse de couleurs, sa force expressive et ses détails ornementaux.  Le programme couvre une période de plus d’un siècle, du Trecento italien jusqu’au début de la période bourguignonne, et suit l’évolution de la polyphonie entre le nord et le sud, dans des contextes sacrés et profanes, à la cour et dans les chapelles. Motets, chansons, madrigaux, danses et œuvres sacrées de Landini, Ciconia, Dufay, Binchois et leurs contemporains illustrent un répertoire en constante évolution, où coexistent dévotion et passion, intellect et splendeur.

Interprétée par l’ensemble Sollazzo, élargi à vingt chanteurs et instrumentistes, cette musique est présentée d’une manière qui rappelle les banquets princiers et les contextes cérémoniels. Au lieu de traiter la fin du Moyen Âge comme une époque historique lointaine, l’enregistrement invite les auditeurs à découvrir ces sons comme un univers musical vivant et captivant.

Booklet: NL,FR, EN, DE

Nouvelle parution Passacaille – Avril 2026

Après plus de quarante années consacrées à l’étude des sources d’Antonio Vivaldi et à la reconstitution de son catalogue (RV), le chef d’orchestre et musicologue Federico Maria Sardelli présente une redécouverte majeure : La Costanza trionfante degl’amori, e de gl’odii (RV 706-A), un opéra longtemps considéré comme perdu, aujourd’hui partiellement restauré et enregistré avec Modo Antiquo pour le label Passacaille.

Au terme d’années de recherches archivistiques et de travail philologique, Sardelli a retracé, identifié et reconstruit dix-huit airs issus de la partition, soit environ la moitié de l’opéra original. Cet effort minutieux jette une lumière nouvelle sur la production théâtrale de Vivaldi. Cet opéra à été composé quand il était à l’apogée de sa maturité créatrice et restitue au répertoire une œuvre tenue pour disparue pendant plus de trois siècles.

Autorité de premier plan en matière de Vivaldi, Sardelli a joué un rôle déterminant dans la redéfinition de la compréhension moderne de la production lyrique du compositeur. Son engagement de longue date auprès des sources — conjuguant recherche, pratique d’exécution et travail éditorial — constitue le fondement de ce projet, qui s’impose à la fois comme une réalisation musicologique et comme une reconstruction artistique vivante.

Enregistré en juillet 2025 à l’Oratorio di San Francesco à Florence, cet album réunit l’ensemble sur instruments d’époque Modo Antiquo et une distribution internationale comprenant Cecilia Molinari (mezzo-soprano), Valeria La Grotta (soprano), Valentino Buzza (ténor) et Biagio Pizzuti (basse), sous la direction de Sardelli. L’enregistrement propose la première exécution moderne de ce fragment substantiel, constitué en grande partie d’airs inédits, et ouvre une nouvelle perspective sur le langage dramatique et la palette expressive de Vivaldi.

Créé à l’origine au Teatro San Moisè de Venise comme opéra de clôture de la saison de Carnaval 1715–1716 — très probablement vers la fin janvier 1716 — La Costanza trionfante degl’amori, e de gl’odii s’imposa rapidement comme l’une des œuvres les plus marquantes de la première carrière lyrique de Vivaldi. Le livret d’Antonio Marchi, poète résident de plusieurs théâtres vénitiens à partir de 1692, devint l’un de ses textes les plus célèbres, sa diffusion étant étroitement liée à celle de la musique de Vivaldi.

Le succès de l’opéra donna lieu à de nombreuses reprises et adaptations à travers l’Europe jusque dans les années 1730, notamment à Munich, Venise, Vicence, Hambourg, Mantoue et Prague, sous divers titres et remaniements. Cette large diffusion témoigne de l’attrait théâtral durable de l’œuvre et de son impact culturel bien au-delà de ses origines vénitiennes.

Cette nouvelle parution représente l’aboutissement de l’engagement de toute une vie de Sardelli envers Vivaldi : un projet qui fait le lien entre recherche et interprétation, et qui permet au public contemporain de découvrir, pour la première fois, un fragment substantiel d’un opéra jadis célèbre, aujourd’hui restitué à l’univers sonore pour lequel il avait été conçu.

Booklet: EN, IT

Dans cet enregistrement, Stefano Albarello ressuscite quatorze de ces odes, reconstruites à partir d’anciennes notations neumatiques, auxquelles s’ajoute une mélodie unique tirée de l’Eunuque de Térence.

Vocem cum cithara dedit révèle un monde oublié où le vers latin, le rythme et la mélodie se fondaient en une seule expression — l’écho vivant de l’Antiquité résonnant à travers le Moyen Âge.

Livret: EN, IT

Zanasi et Díaz-Latorre révèlent à quel point la nobile sprezzatura di canto de Caccini était véritablement innovante : une manière de chanter libre, proche de la déclamation parlée, façonnée par la rhétorique, dans laquelle la force émotionnelle du texte guide directement le geste musical. Entre leurs mains, poésie et mélodie s’entrelacent en une seule ligne expressive, exactement comme Caccini et la Camerata florentine l’avaient conçue.

Chaque piste entraîne l’auditeur dans un univers sonore d’une grande vivacité, où la beauté intemporelle et l’audace inventive du premier baroque prennent vie, offrant une perspective à la fois renouvelée et profondément ressentie sur un moment charnière de l’histoire de la musique — une expérience d’écoute particulièrement convaincante pour tous les amateurs de musique ancienne.

Livret: EN

Franz Liszt fut un compositeur qui ne cessa de revisiter et de réinventer ses propres œuvres, laissant derrière lui de multiples versions révélatrices de l’évolution de son art. Ses 12 Grandes Études (S. 137), transformées par la suite en Études d’exécution transcendante (S. 139), illustrent de manière exemplaire ce processus créatif. Issues de l’Étude en douze exercices (1826), ces études retracent l’itinéraire de Liszt, du prodige au visionnaire, tout en repoussant les limites tant pianistiques qu’harmoniques. Bien au-delà de simples démonstrations de virtuosité, ces Études incarnent une fusion entre une pensée musicale d’une grande profondeur et des exigences techniques extrêmes — raison pour laquelle elles demeurent rarement enregistrées. Ce nouvel enregistrement, le tout premier réalisé sur un instrument historique, apporte un éclairage inédit sur l’une des réalisations les plus audacieuses de Liszt.

Livret: EN, DE, FR

Conversations et musique se prolongeant jusque dans les premières heures du matin : c’est sans doute ainsi qu’il faut se représenter la soirée du 17 août 1722, à la résidence de Rudolf Franz Erwein von Schönborn, au château de Wiesentheid.
« Ils restèrent jusqu’à cinq heures du matin, puis se retirèrent », rapporta le comte le lendemain à son frère, le prince-évêque de Wurtzbourg, qui lui avait envoyé ses musiciens de cour.
Ils venaient d’Italie et comptaient parmi eux l’éminent hautboïste Giovanni Benedetto Platti.
Aux côtés de Clara Blessing, son ensemble recrée cette soirée singulière de pratique musicale entre amis (Unter Freunden), à travers des chefs-d’œuvre italo-allemands du XVIIIᵉ siècle.

Livret: EN, DE

Spiegelungen réunit l’Offrande musicale de Bach, les Canonic Inventions de Viktor Kalabis et le Royal Theme d’Isang Yun dans un saisissant dialogue à travers le temps et la culture.
Au centre se trouve le canon : pour Bach, une démonstration de maîtrise contrapuntique ; pour Kalabis, une exploration moderne de l’invention et de la liberté expressive ; pour Yun, une méditation façonnée par la philosophie taoïste et les sonorités coréennes, réfractée à travers la tradition européenne.
NeoBarock joue sur instruments d’époque, créant un univers sonore vibrant où la rigueur intellectuelle rencontre la résonance poétique.
En les plaçant en dialogue, NeoBarock invite l’auditeur à entendre des idées intemporelles se refléter et se transformer — une résonance entre passé et présent qui éclaire l’un et l’autre.

Livret: EN, DE, FR