Musique de la ville des vice-rois espagnols
Cet enregistrement est consacré à un centre de la musique italienne souvent négligé : le Milan des Habsbourg espagnols. Après la mort de Francesco II en 1532, les Sforza durent céder le duché de Milan aux Français, puis finalement au Saint-Empire romain germanique. Charles Quint installa son fils Philippe II à la tête des Habsbourg d’Espagne, et le duché passa ainsi sous le gouvernement d’un vice-roi espagnol. Si la ville perdit l’importance politique dont elle jouissait sous les Visconti et les Sforza, un relatif apaisement entre deux terribles épidémies de peste en 1576 et 1630 favorisa l’épanouissement de la vie culturelle sous le patronage de l’archevêque Federico Borromeo.
Nous proposons un paysage sonore varié du Milan habsbourgeois, à la fois sacré et profane. Nous explorons le « canzon-motteto » propre à Milan, qui met en dialogue un ensemble vocal et des instruments, des motets à double chœur, des canzone, ainsi que des madrigaux peu connus mais d’une grande expressivité de Francesco Rognoni Taeggio, davantage célèbre comme virtuose du violon et maître de l’art de la diminution improvisée. Musiques de Giovan Paolo et Andrea Cima, Agostino Soderini, Francesco et Giovanni Domenico Rognoni Taeggio, et Giuseppe Gallo.

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Splendeur, mouvement et changement sont au cœur des compositions de cet enregistrement : Flamboyance – The Sound of Change explore le répertoire des XIVe et XVe siècles, une époque où la musique européenne, à l’instar de l’architecture gothique flamboyante, se caractérisait par sa richesse de couleurs, sa force expressive et ses détails ornementaux.  Le programme couvre une période de plus d’un siècle, du Trecento italien jusqu’au début de la période bourguignonne, et suit l’évolution de la polyphonie entre le nord et le sud, dans des contextes sacrés et profanes, à la cour et dans les chapelles. Motets, chansons, madrigaux, danses et œuvres sacrées de Landini, Ciconia, Dufay, Binchois et leurs contemporains illustrent un répertoire en constante évolution, où coexistent dévotion et passion, intellect et splendeur.

Interprétée par l’ensemble Sollazzo, élargi à vingt chanteurs et instrumentistes, cette musique est présentée d’une manière qui rappelle les banquets princiers et les contextes cérémoniels. Au lieu de traiter la fin du Moyen Âge comme une époque historique lointaine, l’enregistrement invite les auditeurs à découvrir ces sons comme un univers musical vivant et captivant.

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Nouvelle parution Passacaille – Avril 2026

Après plus de quarante années consacrées à l’étude des sources d’Antonio Vivaldi et à la reconstitution de son catalogue (RV), le chef d’orchestre et musicologue Federico Maria Sardelli présente une redécouverte majeure : La Costanza trionfante degl’amori, e de gl’odii (RV 706-A), un opéra longtemps considéré comme perdu, aujourd’hui partiellement restauré et enregistré avec Modo Antiquo pour le label Passacaille.

Au terme d’années de recherches archivistiques et de travail philologique, Sardelli a retracé, identifié et reconstruit dix-huit airs issus de la partition, soit environ la moitié de l’opéra original. Cet effort minutieux jette une lumière nouvelle sur la production théâtrale de Vivaldi. Cet opéra à été composé quand il était à l’apogée de sa maturité créatrice et restitue au répertoire une œuvre tenue pour disparue pendant plus de trois siècles.

Autorité de premier plan en matière de Vivaldi, Sardelli a joué un rôle déterminant dans la redéfinition de la compréhension moderne de la production lyrique du compositeur. Son engagement de longue date auprès des sources — conjuguant recherche, pratique d’exécution et travail éditorial — constitue le fondement de ce projet, qui s’impose à la fois comme une réalisation musicologique et comme une reconstruction artistique vivante.

Enregistré en juillet 2025 à l’Oratorio di San Francesco à Florence, cet album réunit l’ensemble sur instruments d’époque Modo Antiquo et une distribution internationale comprenant Cecilia Molinari (mezzo-soprano), Valeria La Grotta (soprano), Valentino Buzza (ténor) et Biagio Pizzuti (basse), sous la direction de Sardelli. L’enregistrement propose la première exécution moderne de ce fragment substantiel, constitué en grande partie d’airs inédits, et ouvre une nouvelle perspective sur le langage dramatique et la palette expressive de Vivaldi.

Créé à l’origine au Teatro San Moisè de Venise comme opéra de clôture de la saison de Carnaval 1715–1716 — très probablement vers la fin janvier 1716 — La Costanza trionfante degl’amori, e de gl’odii s’imposa rapidement comme l’une des œuvres les plus marquantes de la première carrière lyrique de Vivaldi. Le livret d’Antonio Marchi, poète résident de plusieurs théâtres vénitiens à partir de 1692, devint l’un de ses textes les plus célèbres, sa diffusion étant étroitement liée à celle de la musique de Vivaldi.

Le succès de l’opéra donna lieu à de nombreuses reprises et adaptations à travers l’Europe jusque dans les années 1730, notamment à Munich, Venise, Vicence, Hambourg, Mantoue et Prague, sous divers titres et remaniements. Cette large diffusion témoigne de l’attrait théâtral durable de l’œuvre et de son impact culturel bien au-delà de ses origines vénitiennes.

Cette nouvelle parution représente l’aboutissement de l’engagement de toute une vie de Sardelli envers Vivaldi : un projet qui fait le lien entre recherche et interprétation, et qui permet au public contemporain de découvrir, pour la première fois, un fragment substantiel d’un opéra jadis célèbre, aujourd’hui restitué à l’univers sonore pour lequel il avait été conçu.

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Dans cet enregistrement, Stefano Albarello ressuscite quatorze de ces odes, reconstruites à partir d’anciennes notations neumatiques, auxquelles s’ajoute une mélodie unique tirée de l’Eunuque de Térence.

Vocem cum cithara dedit révèle un monde oublié où le vers latin, le rythme et la mélodie se fondaient en une seule expression — l’écho vivant de l’Antiquité résonnant à travers le Moyen Âge.

Livret: EN, IT

Zanasi et Díaz-Latorre révèlent à quel point la nobile sprezzatura di canto de Caccini était véritablement innovante : une manière de chanter libre, proche de la déclamation parlée, façonnée par la rhétorique, dans laquelle la force émotionnelle du texte guide directement le geste musical. Entre leurs mains, poésie et mélodie s’entrelacent en une seule ligne expressive, exactement comme Caccini et la Camerata florentine l’avaient conçue.

Chaque piste entraîne l’auditeur dans un univers sonore d’une grande vivacité, où la beauté intemporelle et l’audace inventive du premier baroque prennent vie, offrant une perspective à la fois renouvelée et profondément ressentie sur un moment charnière de l’histoire de la musique — une expérience d’écoute particulièrement convaincante pour tous les amateurs de musique ancienne.

Livret: EN

Veuillez découvrir le premier enregistrement complet du Leuven Chansonnier !

En 2015, la Fondation Alamire, centre international de recherche musicale aux Pays-Bas, a été sollicitée par un historien de l’art mandaté par un marchand d’art afin d’obtenir des conseils musicologiques sur un petit manuscrit musical. Des recherches plus approfondies ont rapidement révélé son importance : le manuscrit a été identifié comme un chansonnier du XVe siècle jusqu’alors inconnu. Comme il n’a pas été possible de déterminer qui était son propriétaire d’origine, il a été baptisé « Leuven Chansonnier », d’après son nouvel emplacement à la Library of Voices, l’un des bâtiments que la Fondation Alamire utilise sur le site historique de l’abbaye de Park à Louvain (BE). La collection est d’une valeur exceptionnelle. Elle comprend 50 compositions, dont une œuvre sacrée et 49 chansons françaises, dont 12 ne sont conservées dans aucune autre source. Bien qu’aucun des compositeurs ne soit nommé, 26 œuvres ont pu être attribuées, grâce à d’autres sources, à des représentants éminents de la polyphonie franco-flamande du XVe siècle, tels que Johannes Ockeghem, Antoine Busnoys et Firminus Caron. Les auteurs des 24 chansons restantes sont pour l’instant anonymes.

Le Sollazzo Ensemble est un groupe acclamé par la critique qui se consacre à l’interprétation de la musique du Moyen Âge et de la Renaissance. Fondé en 2014 par Anna Danilevskaia, l’ensemble est réputé pour ses interprétations expressives, sa sonorité unique et son approche façonnée par les influences musicales et les personnalités variées de ses membres. À partir d’un répertoire historique et de critères d’interprétation solides, le groupe cherche à transmettre les émotions qu’il a lui-même ressenties ou à exprimer des idées qui lui tiennent à cœur. Ce processus d’appropriation d’artefacts historiques à travers plusieurs couches de travail créatif rigoureux constitue la base de la communication avec le public, car les membres de l’ensemble souhaitent donner à chaque pièce une voix qui reflète à la fois les racines historiques du matériau et la vision unique de l’ensemble.

Livret: EN, FR, NL

En 1729, le poète noble Annibale Marchese (1686–1753) publia Tragedie Cristiane, un recueil remarquable de dix pièces de théâtre en italien. Influencés par Racine, Corneille, Voltaire et la tradition classique, ces drames novateurs trouvent leurs racines profondes dans la pratique théâtrale jésuite. Pour réaliser sa vision, Marchese engagea dix des compositeurs les plus talentueux de son temps, maîtres de l’école dite napolitaine. Leurs airs strophiques, souvent accompagnés d’un clavecin obligé, reflètent le style unique de chaque compositeur. Cet enregistrement comprend également des danses instrumentales inédites issues de productions théâtrales jésuites de l’époque.

Stile Galante, sous la direction de Stefano Aresi, est un projet culturel néerlandais-italien dédié à la musique italienne du XVIIIe siècle, lancé en 2010. Le projet vise à associer recherche académique et pratique de l’interprétation, en mettant l’accent sur la musique vocale. En se consacrant à un répertoire souvent ignoré ou mal compris, l’ensemble fait redécouvrir des œuvres d’une rare beauté et incite les musiciens comme le public à se replonger dans un langage musical et un goût qui sont aujourd’hui souvent adaptés de manière trop radicale à des attentes qui n’ont rien à voir avec l’histoire.

Livret: EN

Johannes Pullois est probablement né à Pulle, un village de la Campine près d’Anvers. De 1443 à 1447, Pullois fut chanteur puis maître de chant à la cathédrale Notre-Dame, où il comptait Johannes Ockeghem parmi ses collègues. Il tenta en vain d’obtenir un poste à la chapelle de la cour de Bourgogne, mais il eut plus de succès à la chapelle musicale papale du Vatican : de décembre 1447 à août 1468, il ne servit pas moins de quatre papes (Nicolas V, Calixte II, Pie II et Paul II). Pendant son séjour à Rome, il reçut plusieurs bénéfices des diocèses de Cambrai et d’Utrecht. Pullois retourna à Anvers en 1468 et travailla à la cathédrale Notre-Dame les dix années suivantes.

Comme Ockeghem, Pullois a expérimenté dans les années 1440 le nouveau principe de la messe cyclique, qui consiste à répéter le même matériau thématique dans les différentes parties de la messe. Ce principe était déjà établi dans la musique anglaise. Pullois a-t-il eu accès aux mêmes sources anglaises qui ont inspiré Ockeghem pour composer sa Missa Caput ? Des motets et des chansons de Pullois ont également été conservés, ainsi que les plus anciens chants polyphoniques connus en néerlandais. Son œuvre a également été diffusée en Italie, et une grande partie de l’œuvre de Pullois se trouve aujourd’hui dans des manuscrits italiens. Par ailleurs, le motet de Noël Flos de spina figure également dans une source tchèque. Des adaptations instrumentales de deux chansons (Pour toutes fleurs / Sutoutes et De ma dame / De ma dame) figurent dans le Buxheimer Orgelbuch allemand. La ballade La bonté du Saint-Esprit a été écrite en l›honneur de l›un des papes sous lequel Pullois a servi.

Livret: EN, DE, FR, NL

À l’occasion du 150ème anniversaire de Maurice Ravel en 2025, Un Tombeau pour Ravel propose un voyage musical mêlant les styles de Ravel et du baroque français, notamment les œuvres de François Couperin. Le programme de ce CD s’articule autour du Tombeau de Couperin composé par Ravel pendant la Première Guerre mondiale, à la fois en hommage aux compositeurs baroques et en mémoire de ses camarades tombés au combat. Cet enregistrement inclut des œuvres originales et des arrangements soigneusement élaborés pour clavecin. Il retrace les influences de la musique française du XVIIIème siècle, illustre les inspirations de Ravel lors de la création de ce cycle pianistique et explore le genre du tombeau comme hommage

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Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, des pratiques instrumentales remarquables ont vu le jour dans le répertoire sacré de la cour portugaise. Parmi celles-ci figuraient des œuvres composées pour la Semaine Sainte, mettant en avant des altos concertants tout en excluant complètement les violons. Cette instrumentation atypique est devenue une caractéristique non seulement de la musique quotidienne à la cour, mais aussi de la musique portugaise en général à cette époque.

Cette tradition reflète probablement l’influence marquée de la musique napolitaine au Portugal, s’inscrivant dans une pratique consistant à intégrer des instruments graves solistes pour souligner la solennité des moments liturgiques particuliers, comme la Semaine Sainte ou le jour des morts.

Parmi les compositeurs de la Chapelle Patriarcale ayant adopté cette instrumentation, José Joaquim dos Santos se distingue. Né à Óbidos en 1747, il entra au Séminaire Patriarcal en 1754, où il fut élève du célèbre compositeur napolitain David Perez. En 1763, Santos rejoignit l’équipe enseignante de l’institution, où il demeura une figure centrale jusqu’à sa mort en 1801. Son œuvre illustre parfaitement le dialogue riche entre la tradition locale et l’influence napolitaine, qui caractérisa cette période musicale exceptionnelle.

Ce deuxième CD de l’orchestre Real Câmara présente, en première mondiale, les Répons du Vendredi Saint pour deux altos concertants, basson, violoncelle et contrebasse.

Livret: EN, FR, DE, PT