Franz Schubert et Carl Czerny : deux contemporains, habitants de la même ville, tous deux étroitement liés à Beethoven, chacun à leur manière. Schubert a connu la gloire. De nos jours, il est considéré comme l’un des compositeurs les plus importants de toute l’histoire de la musique. Quant à Czerny, bien qu’il ait été un compositeur prolifique et un élève très apprécié de Beethoven, il reste inscrit dans la mémoire collective essentiellement comme un professeur et créateur de nombreux ouvrages d’étude de faible valeur musicale. Sa Grande Sonate en ré mineur est de loin la plus longue de ses onze sonates. Elle a été écrite immédiatement après la mort de Beethoven et peut être considérée comme une tentative d’égaler la Sonate « Hammerklavier » de ce dernier. Avec ses sept mouvements et ses défis techniques spectaculaires, la sonate de Czerny est un chef-d’œuvre longtemps oublié qui mérite sa place parmi les grandes compositions du 19^ème siècle. Dans cet enregistrement, Aurelia Vişovan la présente au public pour la toute première fois sur un pianoforte d’époque, aux côtés de la dramatique Sonate en ut mineur, D. 958 de Schubert, composée la même année.

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Radical, audacieux et extrêmement raffiné : c’est ainsi que C. P. E. Bach envisageait le futur de l’Oratorio, après que les Passions de son père avaient marqué l’apogée de l’ère baroque. Encouragé par Telemann, son parrain, et libéré du joug du capricieux Frédéric de Prusse, Carl Philipp Emanuel se trouve à Hambourg face à un public avide de musique nouvelle. Il leur livre ses oratorios, non plus dans des églises mais dans des salles de concert, où il exigeait l’attention totale de l’auditeur pour les changements soudains d’atmosphère et de couleur.

Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu a en effet laissé des traces. Après une série de trois représentations dirigées par Mozart à Vienne, Haydn et Beethoven ont témoigné un grand intérêt. Cette œuvre a non seulement ouvert la voie aux oratorios de Haydn, mais elle a également exercé des influences évidentes sur les airs de Pamina dans Die Zauberflöte, composés quelques années plus tard. Dans une lettre à Breitkopf, son éditeur, C. P. E. Bach affirme ceci : « Je pense que c’est la meilleure œuvre que j’ai jamais écrite. »

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Avec cet enregistrement, Federica Bianchi explore le développement de la musique pour instruments à clavier du début du 15^ème siècle jusqu’à l’aube de l’ère baroque. Les œuvres les plus anciennes sont tirées du célèbre Codex Faenza (ca. 1400-1420), un manuscrit de chansons profanes arrangées pour clavier par des compositeurs tels que Jacopo da Bologna et Guillaume de Machaut. Le plus ancien recueil imprimé (1517) entièrement consacré à la musique pour clavier constitue un autre jalon dans ce développement. Parmi les œuvres les plus tardives de cet album, on trouve des adaptations de tubes de la Renaissance tels que Ancor che col partire. L’exploration de ce répertoire par Federica Bianchi la conduit aux toccatas de la fin du 16^ème et du début du 17^ème siècle.

Federica Bianchi interprète ce répertoire sur trois instruments construits d’après des modèles historiques : un clavicymbalum d’après un modèle de la première moitié du 15^ème siècle et deux clavecins d’après des modèles italiens des 16^ème et 16^ème siècles.

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En 1959, deux compositeurs ont écrit des nonets : Le Nonetto mélodique de Nino Rota, sur lequel il continuera à travailler pendant près de 20 ans, et la pièce de musique de chambre d’adieu de Bohuslav Martinů, un nonet, qu’il a composé comme une dernière pièce pour satisfaire sa nostalgie de sa patrie.

Eisler n’a pas non plus composé son nonet dans son pays natal, mais est arrivé au Mexique en 1941 en tant que réfugié des nazis. C’est là qu’il a écrit la musique du film documentaire de John Steinbeck, Le Village oublié, qui lui a servi d’inspiration pour son Nonet n° 2.

Avec cet album, l’ensemble Oxalys nous offre l’occasion de redécouvrir ces trois nonets, trois chefs-d’œuvre de protagonistes clés de l’histoire de la musique du XXe siècle.

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Les Partitas sont la première œuvre pour clavecin publiée par Jean-Sébastien Bach. Entre 1726 et 1730, les partitas sont publiées séparément, une par année, avant d’être réunies dans une seule collection en 1731.

Bach, qui vient d’être nommé Cantor de la Thomaskirche de Leipzig, décide de consacrer son opus I à un genre à la mode : la suite pour clavecin, une série de danses de caractère contrasté, unies par une même tonalité et précédées d’un prélude.

Les Partitas sont à toutes fins utiles le dernier mot de Bach sur cette forme musicale, le plus mûr, une sorte de recueil : chaque type de danse est exploré, avec une virtuosité compositionnelle qui exige de l’interprète, outre une capacité technique incontestée, une profondeur de lecture capable de saisir les relations mathématiques qui tracent l’architecture générale.

Lorenzo Ghielmi, l’un des plus célèbres interprètes des œuvres de Bach, nous présente un enregistrement où l’élégance et la mesure permettent de faire coexister la beauté et la rigueur formelle de ces pages.

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25 ans après son enregistrement avec le Giardino Armonico, Enrico Onofri nous propose une nouvelle version dans laquelle il fait preuve d’une maturité et d’une sagesse artistique inégalées. Au lieu de faire de Vivaldi le héros principal de l’enregistrement, il veut rendre hommage à Mère Nature, à son pouvoir salvateur et à l’art qui s’en inspire, à travers ses sons, ses images, ses odeurs, ses goûts et ses sensations. La musique qui accompagne « les Saisons » dans cet album s’inscrit dans le cadre du XVIIe siècle instrumental italien et nous offre une collection de joyaux musicaux qui ouvrent la voie à l’œuvre maîtresse de Vivaldi.

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Jean Cras est né en France, dans la ville bretonne de Brest, en 1879 et y est mort en 1932.
Il a réussi à concilier ses deux passions, la mer et la musique, tout au long de sa vie.
Cras aimait associer la liberté de la mélodie à la rigueur de la forme et était également très influencé par son pays natal ainsi que par les destinations exotiques qu’il découvrait au cours de ses voyages. Il a apporté une contribution importante au répertoire français de musique de chambre. La qualité de ses œuvres est non seulement exceptionnellement élevée, mais elles possèdent également un naturel, un charme et un lyrisme. Ses compositions étaient très appréciées du public et étaient généralement jouées pour la première fois à Paris peu de temps après leur achèvement.
L’Ensemble belge Oxalys, avec la soprano belge Sophie Karthäuser comme invitée, présente ici trois superbes quintettes qui ont été composés dans les années 1920.

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