Franz Liszt fut un compositeur qui ne cessa de revisiter et de réinventer ses propres œuvres, laissant derrière lui de multiples versions révélatrices de l’évolution de son art. Ses 12 Grandes Études (S. 137), transformées par la suite en Études d’exécution transcendante (S. 139), illustrent de manière exemplaire ce processus créatif. Issues de l’Étude en douze exercices (1826), ces études retracent l’itinéraire de Liszt, du prodige au visionnaire, tout en repoussant les limites tant pianistiques qu’harmoniques. Bien au-delà de simples démonstrations de virtuosité, ces Études incarnent une fusion entre une pensée musicale d’une grande profondeur et des exigences techniques extrêmes — raison pour laquelle elles demeurent rarement enregistrées. Ce nouvel enregistrement, le tout premier réalisé sur un instrument historique, apporte un éclairage inédit sur l’une des réalisations les plus audacieuses de Liszt.

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Conversations et musique se prolongeant jusque dans les premières heures du matin : c’est sans doute ainsi qu’il faut se représenter la soirée du 17 août 1722, à la résidence de Rudolf Franz Erwein von Schönborn, au château de Wiesentheid.
« Ils restèrent jusqu’à cinq heures du matin, puis se retirèrent », rapporta le comte le lendemain à son frère, le prince-évêque de Wurtzbourg, qui lui avait envoyé ses musiciens de cour.
Ils venaient d’Italie et comptaient parmi eux l’éminent hautboïste Giovanni Benedetto Platti.
Aux côtés de Clara Blessing, son ensemble recrée cette soirée singulière de pratique musicale entre amis (Unter Freunden), à travers des chefs-d’œuvre italo-allemands du XVIIIᵉ siècle.

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Spiegelungen réunit l’Offrande musicale de Bach, les Canonic Inventions de Viktor Kalabis et le Royal Theme d’Isang Yun dans un saisissant dialogue à travers le temps et la culture.
Au centre se trouve le canon : pour Bach, une démonstration de maîtrise contrapuntique ; pour Kalabis, une exploration moderne de l’invention et de la liberté expressive ; pour Yun, une méditation façonnée par la philosophie taoïste et les sonorités coréennes, réfractée à travers la tradition européenne.
NeoBarock joue sur instruments d’époque, créant un univers sonore vibrant où la rigueur intellectuelle rencontre la résonance poétique.
En les plaçant en dialogue, NeoBarock invite l’auditeur à entendre des idées intemporelles se refléter et se transformer — une résonance entre passé et présent qui éclaire l’un et l’autre.

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Les célèbres cantates pour alto solo de J. S. Bach présentent non seulement une extraordinaire variété musicale mais exigent également une grande virtuosité de la part de la voix. De nos jours, ces cantates sont le plus souvent interprétées par des contre-ténors. L’exceptionnelle alto Seda Amir-Karayan va à l’encontre de cette tendance. Elle est accompagnée par le jeune orchestre baroque Camerata Vivaldiana sous la direction de Fritz Krämer. En outre, elle associe cette magnifique musique figurative aux anciens chants d’église a cappella de sa patrie arménienne. Chants qui forment un contraste captivant tout en étant étonnamment proches des cantates du célèbre Thomaskantor par leur contenu spirituel.

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En tant que compositeur de plus de 500 sonates révolutionnaires pour clavier, Domenico Scarlatti est à juste titre considéré comme une figure majeure de la musique espagnole du XVIIIe siècle. Ses liens étroits avec la cour d’Espagne lui ont permis d’exercer une large influence sur ses contemporains, tandis que son intégration novatrice d’éléments de musique folklorique espagnole a joué un rôle crucial dans la formation du style distinctif du clavier de l’époque. Cependant, l’importance accordée à Scarlatti a malheureusement éclipsé les œuvres remarquables de ses contemporains et successeurs immédiats dont les compositions mêlent de manière unique les traditions italienne, française et espagnole. De la redécouverte récente des Sinfonías de José de Nebra aux sonorités énigmatiques des Recercatas de Sebastián de Albero, en passant par le caractère folklorique des Variations sur le fandango espagnol de Máximo López, ce projet explore la riche diversité de la musique pour clavier espagnole du XVIIIe siècle et met en lumière un chapitre souvent négligé du répertoire pour clavecin.

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Avec leur nouvel album Generations, Aleksandra et Alexander Grychtolik présentent d’importants « influenceurs » de la musique pour clavier qui ont marqué la transition du style galant à la période classique. Le voyage commence avec Wilhelm Friedemann Bach et Carl Philipp Emanuel Bach, qui ont composé des œuvres pour deux clavecins comme leur père, Johann Sebastian Bach, auparavant et se poursuit avec leur demi-frère Johann Christian Bach jusqu’à Wolfgang Amadeus Mozart, largement considéré comme l’inventeur du jeu à quatre mains et profondément inspiré par la musique des fils Bach.

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Un projet de Passion abandonné par J. S. Bach ? Le claveciniste et chef d’orchestre Alexander Grychtolik, accompagné de l’orchestre Il Gardellino, se lance dans une expérience artistique captivante avec cette présentation de l’Oratorio de la Passion BWV Anh. 169. Le point de départ de cette tentative de reconstruction partielle et d’achèvement de l’œuvre est le livret du poète Picander datant de 1725. Cette entreprise unique entraîne le public dans une exploration profonde de l’empathie humaine pour la souffrance de Jésus et met en lumière une esthétique de la passion que nous n’avions jamais vue auparavant dans le répertoire de Bach.

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Le catalogue des œuvres de Johann Sebastian Bach, au nombre de 1128, est loin d’être complet. De nombreuses compositions n’ont malheureusement pas survécu ; certaines œuvres nous sont en outre parvenues incomplètes, soit parce que le compositeur ne les a pas achevées, soit parce qu’une partie du manuscrit a été perdue.

Dans le présent enregistrement, Ghielmi a entrepris la tâche ardue de compléter toutes les œuvres pour orgue de Bach qui nous sont parvenues de manière fragmentaire. Tout en sachant qu’un artiste aussi exceptionnel est inimitable, Ghielmi a essayé de rester fidèle à son style. Avec ce projet, Ghielmi rend possible la découverte d’œuvres largement oubliées de l’héritage musical de Bach et permet de goûter à la magie de ces compositions inachevées.

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Jean-Sébastien Bach a été profondément influencé par les compositeurs italiens, dont les œuvres avaient conquis l’Europe. Parmi ses nombreuses compositions, un grand nombre de concertos ont été malheureusement perdus après sa disparition. Heureusement, une vingtaine d’entre eux ont survécu, parmi lesquels figurent des concertos pour clavecin.

À l’origine, ces concertos étaient destinés à d’autres instruments solistes lors de son séjour à Köthen, mais Bach les a par la suite adaptés pour le clavecin pendant son temps à Leipzig. En qualité de directeur musical de l’église Saint-Thomas, il a également dirigé le Collegium Musicum, un ensemble composé d’étudiants talentueux, et peut-être même de ses propres fils clavecinistes. Cette expérience a certainement influencé son choix d’adapter ces œuvres pour le clavecin, créant ainsi un nouvel élan dans le monde de la musique classique.

En outre, cet enregistrement comprend la cantate ‘Non sa che sia dolore’ pour soprane, où la flûte joue un rôle de premier plan, apportant une dimension supplémentaire à cette magnifique œuvre.

Ce n’est un secret pour personne que les compositeurs du vingtième siècle vénéraient Bach pour son génie contrapuntique. Anton Webern l’a dit lui-même : « On trouve tout chez Bach : le développement de formes cycliques, la conquête du domaine de la tonalité – la tentative d’une sommation de l’ordre le plus élevé. »

En présentant Bach et Webern côte à côte, l’Ensemble Richter met en lumière les liens cachés entre les deux compositeurs. Le programme commence par l’œuvre ultime de Bach, L’art de la fugue, où Bach est à l’apogée de sa carrière. Bach démontre sa maîtrise du contrepoint dans chaque fugue tout en exprimant des émotions humaines très différentes, de l’extase au désespoir absolu, avec concision et détermination.

Dans les œuvres pour quatuor à cordes qui jalonnent sa carrière, Anton Webern utilise les mêmes techniques contrapuntiques traditionnelles qui, avec la plus grande concision, tendent vers l’idéal. Bien qu’incontestablement moderne dans un style qui s’étend de l’atonalité libre au dodécaphonique, l’expression est tout aussi variée et puissante.

L’Ensemble Richter invite à une nouvelle perspective, une nouvelle expérience et un nouveau paysage sonore en interprétant ces œuvres sur des cordes en boyau.

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